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Claude Monet, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir, Jean-Françoise Millet, Edouard Manet, Henri de Toulouse-Lautrec, August Rodin y Marie Bashkirtseff fueron algunos de los grandes artistas franceses del siglo XIX, artistas que propusieron las tendencias modernas de la pintura, vinculadas en gran medida a las ideas políticas de esa centuria, a los cambios sociales, a la transformación de la ciudad.

El arte de estos y otros creadores posteriores al Romanticismo y generadores de la Modernidad es la base de uno de los grandes museos parisinos: el Orsay, creado precisamente en una estación de trenes del siglo XIX. Un conjunto de 65 obras de este museo llega a México por vez primera para presentarse en el Museo Nacional de Arte.

El 23 de octubre se inaugura la exposición El placer y el orden. Orsay en el Munal, que incluye 32 pinturas, dos esculturas y 31 fotos, dibujos y acuarelas. La muestra, con curaduría del investigador mexicano Jaime Moreno Villarreal y, por parte del Orsay, de Isabelle Cahn, “es una muestra representativa de la génesis de las tendencias modernas en la pintura”, en palabras de Moreno Villarreal.

Planeada desde 2009, en el contexto del programa cultural que habría de realizarse en torno del Año de México en Francia, la exposición trae a México algunas de las joyas del Museo de Orsay, grandes obras de algunos de los más grandes artistas de esa centuria, piezas que son reveladoras del cambio que aquellos creadores vislumbraron tanto para el arte como para la sociedad.

Así, por ejemplo, abre la exposición un cuadro de André Devambez, La carga, con la vista nocturna de un bulevar donde hay una manifestación. Esa pintura, explica el curador, resume el goce y la represión, la idea de placer y orden, que nombra la muestra y que desde un comienzo, determinó el discurso curatorial. Esto porque el siglo XIX fue un tiempo donde convivieron las ideas de libertad permisividad y transgresiones, frente a las de represión, orden y control.

“El afianzamiento de la burguesía como clase hegemónica en Francia, con la Tercera República, con un ideal democrático, laico, modernista, es como un disparador de libertades en el terreno del arte”, dice el curador. Entonces, detalla, se dio por un lado una lucha “en términos civiles por una mayor liberalización de la vida cotidiana y pública” y, en el terreno del arte, una liberalización de los artistas jóvenes que se desprendieron de instituciones muy vinculadas a la academia, al Estado, y dieron vida a nuevos movimientos.

Algunos de esos movimientos que nacieron y que ahora se pueden apreciar con las obras en la exposición, son: Realismo, Impresionismo, Simbolismo, Decadentismo, Divisionismo, Primitivismo.

Figuran, por ejemplo, Mujeres de Tahití una pintura de Gauguin, de 1891, propia del Primitivismo, considerada una de las más bellas obras del artista, quien resume aquel ideal de muchos creadores de entonces en busca de utopías, y de algo que estaba más allá de lo que podían hallar en el decadente Occidente.

Entre el grupo de piezas lamentablemente no figura un Van Gogh, como era la propuesta inicial (la exposición llega con 50% de obras menos del previsto en 2009, aunque conserva el planteamiento inicial).

El curador destaca la riqueza de la pintura Le meeting , de Marie Bashkirtseff: “Una mujer muy talentosa que murió a los 26 o 27 años, después de haber presentado este cuadro en el Salón Anual con la esperanza de obtener un premio que nunca consiguió. Es una obra entre realista y simbólica, de dos metros de alto, donde unos chicos discuten, mientras que al fondo se ve a una chica sola; ha sido interpretado como la visión de sí misma en un mundo muy masculino”.

En cierta forma, aquellas exclusiones habrían de cambiar el arte entonces. “Muchos impresionistas buscaron medios alternativos: exponer en talleres, estudios, casas particulares; empezó a surgir un coleccionismo ilustrado. Los impresionistas rompieron con la academia, surgieron las primeras galerías y un coleccionismo internacional que tiene a París como su foco”. En ese contexto, la burguesía empezó a reclamar imágenes de sí misma a través del retrato.

El placer y el orden subraya la relación del pintor con sus modelos donde hay una plena disponibilidad de la mujer al desnudo mientras que el hombre era representado como atleta. La exhibición tiene dos ejes temáticos: el primero dedicado a la libertad y la sujeción en el espacio público de las ciudades; el segundo habla de la intimidad y la exhibición -intimidad del cuerpo. La muestra cierra con obras que refieren ideas utopistas que inspiraron a varios artistas de la Modernidad y que aun provocan preguntas: “Eso confirma que la época moderna no está totalmente concluida, aunque la Posmodernidad diga otra cosa. Mucho sobrevive y sobrevive también su decadencia, muchas ideas tuvieron en el siglo XX su caldo de cultivo: el Fascismo, el Comunismo, Brasilia, el Hippismo... la gente mantiene otras búsquedas”.